Arte Contemporaneo

OP ART

El Op Art también conocido como Arte Óptico, se distingue por ser un estilo netamente visual por medio de la ilusión óptica. Las personas que tienen contacto con este tipo de obras deben estar muy activas y en movimiento para poder visualizar el efecto que brinda el arte óptico.Este tipo de arte se basa solo en la ciencia a nivel óptico, por medio de ella se pueden detectar los efectos que brinda por medio de contrastes y líneas paralelas.

Historia

Entre los principales antecedentes del op art se encuentra la escuela alemana Bauhaus de arquitectura y artes aplicadas. Fundada en 1919 por Walter Gropius, contenía una disciplina que se enfocaba en el estudio de las principales formas geométricas, el cubo, el triángulo y el rectángulo. Parte de las ideas tenían que ver con la comprensión de la naturaleza del arte en la época tecnológica.

Durante la Alemania nazi, la escuela de Bauhaus cierra sus puertas en 1933, sin embargo, muchos de sus seguidores fueron los principales influyentes para que su estilo alcanzara nuevas tierras en Europa y Estados Unidos.

Dentro de otras grandes referencias se encuentra el desarrollo del arte cinético, que se popularizó durante las primeras décadas del siglo XX y el cual se fundamenta en la creación o la ilusión del movimiento. El arte cinético en sus inicios solo se hacía en forma de esculturas, sin embargo, alrededor de los años 50 y 60 se fue cuestionando la forma de llevarlo a una superficie plana.

¿Cómo funciona el Op-Art?

El Op art explota la relación funcional entre la retina del ojo (el órgano que “ve” los patrones) y el cerebro (el órgano que interpreta los patrones). Ciertos patrones causan confusión entre estos dos órganos, lo que resulta en la percepción de efectos ópticos irracionales. Estos efectos se dividen en dos categorías básicas: primero, el movimiento causado por ciertos patrones geométricos específicos en blanco y negro. Por ejemplo, como los de los trabajos anteriores de Bridget Riley, o las superficies de aluminio de Getulio Alviani, que pueden confundir el ojo incluso hasta el punto de inducir mareos físicos. Segundo, las imágenes posteriores que aparecen después de ver imágenes con ciertos colores o combinaciones de colores.

La interacción de diferentes colores en la pintura (contraste simultáneo, contraste sucesivo y contraste inverso) puede causar efectos retinianos adicionales. Por ejemplo, en las pinturas del “Templo” de Richard Anuszkiewicz, la disposición de dos colores altamente contrastantes hace que parezca que la forma arquitectónica invade el espacio del espectador.

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE ÓPTICO

La corriente artística del Op Art se rige por las siguientes características:

 -Este arte busca que el espectador tenga la sensación de movimiento como consecuencia de los efectos y dinamismo que se contempla en los espacios planos, que al observarlo toma forma tridimensional con movimientos.

 -El artista aprovecha la oportunidad para crear sus obras por medio del color, sombras, luz, dándole también un gran efecto de profundidad.

 -Este tipo de obras son inmóviles y estáticas por lo que no tienen movimiento real.

 -Tiene como objetivo poder lograr captar efectos visuales que den la sensación que vibran o tienen algún movimiento por medio del parpadeo, así como crear efectos visuales únicos.

 -Es un arte básicamente unipersonal.

-La abstracción geométrica juega un papel fundamental en este tipo de arte óptico.

 –El espectador debe desplazarse para lograr captar el efecto óptico que lleva la obra consigo.

 

REPRESENTANTES DEL OP ART

Victor Vasarely

El máximo exponente y pionero de los efectos del Op art incluso en la década de 1930, es Victor Vasarely, de origen húngaro, pero que trabajó en Francia desde 1930. Ha tomado una visión radicalmente escéptica de las ideas tradicionales sobre el arte y los artistas. A la luz de los avances científicos modernos y las técnicas modernas, afirma que el valor del arte no debe residir en la rareza de una obra individual, sino en la rareza y originalidad de su significado, que debe ser reproducible.

El mejor trabajo de Victor Vasarely, se expresa en términos geométricos, incluso mecanicistas, pero integrado en un equilibrio y contrapunto que es orgánico e intuitivo. Afirma que su trabajo contiene “una forma de arte abstracto arquitectónico, una especie de folklore universal”. Su misión es “una nueva ciudad: geométrica, soleada y llena de colores”, resplandeciente con un arte “cinético, multidimensional y comunitario. Abstracto, por supuesto, y más cercano a las ciencias”.

Peter Sedgle

Peter Sedgley (nacido en 1930), un británico que vive principalmente en Alemania, se hizo conocido alrededor de 1965 por sus experimentos con una de las imágenes recurrentes de la pintura de finales del siglo XX, los anillos concéntricos de color. El efecto se intensificó al introducir luces de colores rojo, amarillo y azul dentro de sus obras programadas eléctricamente. Más tarde desarrolló “videorotores”, punteados con brillantes colores fluorescentes, rotativos y aún más animados por el juego de luz ultravioleta y estroboscópica sobre ellos. Su último trabajo ha explorado las relaciones entre la luz y el sonido, con pantallas en las que el ruido y el movimiento de los espectadores o transeúntes son ilustrados con luz de color.

Richard Anuszkiewciz

Nace en 1930 en Pennsylvania, destacado artista del Op Art por realizar investigaciones sobre los constantes cambios ópticos que se llevan a cabo cuando se combinan los colores que son intensos, con figuras que son muy parecidas.Igualmente tiene una marcada fascinación del contraste que sucede con las figuras y la relación con colores, sus trabajos cobran vida llenos de energía y ritmo.

Expresionismo Abstracto

El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico desarrollado a mediados del siglo XX en Estados Unidos. Esta es considerada como la primera tendencia propiamente estadounidense, la cual conseguiría hacer de Nueva York el epicentro del arte mundial, reemplazando a París. El término como tal fue utilizado en 1919 por la revista Der Sturn para hablar de ciertas obras del expresionismo alemán y por Alfred Barr en 1929 para hablar de las obras de Vasili Kandinski; aunque no sería sino hasta 1946 cuando el crítico de arte Robert Coates lo emplearía para hablar del arte estadounidense.

principales corrientes del expresionismo abstracto

Action panting:

tendencia originada a partir de finales de la década de 1940, enfocada en la espontaneidad del pintor. Así, los artistas de esta tendencia pintaban sin parámetros definidos según sus necesidades expresivas. Algunos de sus principales representantes son Pollock, Norman Bluhm, Franz Kline y Willem de Kooning, entre otros.

Color-field painting

tendencia originada alrededor de 1947, enfocada en el color y sus posibilidades. Así, los artistas de esta corriente pintaban grandes áreas del lienzo de un solo color uniforme. Algunos de los principales representantes del color-field son Mark Rothko, Clyfford Still, Enrico Accatino, Barnett Newman y Ad Reinhardt.

Características del expresionismo abstracto

- Para los artistas del movimiento la libertad absoluta era santo y seña renegando cualquier influencia de la tradición. Esto que puede parecer novedoso, no obstante era lo que venían haciendo todos los grupos de vanguardia desde el futurismo hasta el dadaísmo.

-Como los creadores del expresionismo alemán se declaraban existencialistas y buscaban temas, inspiración y objetivos de creación en la posibilidades comunicativas del alma humana.

- Hay críticos que ponen en relación la expansión del expresionismo abstracto con la filosofía de la Fenomenología (que busca la expresión directa de la conciencia) y el Existencialismo que se haría fuerte tras la guerra, especialmente en literatura. 

- El expresionismo abstracto entroniza la pintura como la primera de las artes y esta se hace una con el artista de tal manera que el acto de pintar (no la obra ya creada) se convierte en esencia y ser del artista transformándolo con cada nuevo título. En este sentido, el arte se convierte en objeto sagrado casi o con poderes tan fuertes que quien se adentra en él no podrá salir indemne

-  La crítica entiende que el expresionismo abstracto tiene dos tendencias. La primera, abanderada por Pollock y de Kooning, utiliza el dripping especialmente para crear obras que quieren seguir las bases de la escritura automática. Son enérgicas, con trazos gestuales y a veces repetitivos que pretender conectar directamente con el inconsciente. La segunda se basa en el color e intenta desentrañar los símbolos universales a la par que es más meditada. En esta última el rey indiscutible es Rothko. 

Principales autores

Willem de Kooning

De origen holandés (nacido en 1904), su formación temprana se hizo en su país de origen.  En 1926 logra entrar en Estados Unidos y en 1927 está instalado en Manhattan. Sus primeras obras, como es frecuente en estas décadas, mantienen una clara influencia de Picasso, para pasar, alrededor de 1940 a la abstracción, aunque no abandona del todo la figuración. Aunque también fue longevo y murió de enfermedad, toda su vida también estuvo marcada por el alcoholismo.

Robert Mortherwell

Fue el más longevo de los artistas del expresionismo abstracto. Nacido en 1915, en la misma década que el resto de los representantes del movimiento, en Washington, dejó este mundo en 1991. De sólida formación académica con estudios de Filosofía (licenciándose en Harvard) también tenía una amplia cultura humanística formada a través de sus viajes por Europa. Junto a Rothko funda la escuela Subjects of artists. Sus amplios conocimientos teóricos (junto con sus preocupaciones políticas) le lleva a hacer grandes obras pictóricas de un fuerte impacto. Gran parte de ellas, como la conocida Elegía para la República Española, están realizadas en blanco y negro o siguiendo esa gama de tonalidades.

Adolph Gottlieb

Nacido en New York en 1903, donde muere en 1974, comienza sus primeros estudios en la Ciudad de los Rascacielos. Eso no quita para que se traslade a París donde completa su formación. A partir de 1933 comienza una serie de obras en las que se aprecian símbolos complejos, caligrafías  o jeroglíficos que pretenden ser un lenguaje nuevo y directo con el inconsciente colectivo propuesto por Jung y que por esas décadas revolucionó la concepción de la humanidad. Esta obra tan particular se mantiene (con sus debidas modificaciones y evoluciones personales) a lo largo de toda su carrera creando un opus artístico novedoso y original.

Jackson Pollock

Nace en el interior de Estados Unidos, en Wyoming, en 1912 y sus primeros años están marcados por constantes mudanzas familiares. Comienza sus estudios de arte en 1930 y ya en 1935 su vida se encuentra marcada por el alcoholismo con todos sus demonios inherentes. Logra exponer en la galería Art of this Century, la misma que creó la afamada Peggy Guggenheim en 1943. Tras la muestra, llegaría un encargo de importancia: un mural de más de seis metros para el hall de su casa neoyorquina donde se manifiesta la influencia de los símbolos del inconsciente colectivo propuesto por Jung.

INFORMALISMO EUROPEO

El informalismo es un movimiento artístico que aparece en Europa a finales de los años cuarenta en el que se utiliza un lenguaje abstracto donde los materiales desempeñan un papel decisivo. El término se debe al crítico francés Michel Tapié, que en 1951 empieza a utilizar los conceptos art informel (arte informal) y art autre (un arte diferente) a propósito de las obras de Dubuffet y Fautrier. El término informalismo es complejo y en él cabe integrar otras tendencias como matérica, gestual, tachismo y espacialista. En el informalismo encontramos una fuerte presencia de la personalidad del artista a través de las técnicas o materiales empleados, una exaltación del azar y la improvisación, un rechazo de la construcción premeditada y una base ideológica fuertemente vinculada con el existencialismo.

¿Cómo se desarrolló el informalismo?

El informalismo se fundamenta en el existencialismo de la posguerra de Europa, los artistas en múltiples ocasiones ni siquiera utilizan el pincel sino lo que hacen es arañar la superficie espesa, matérica, creada previamente con los nuevos materiales. Igualmente, usan la espátula con la que hacen trazos espontáneos y desordenados denotando caos, haciendo también ralladuras, quemaduras y grattage en los lienzos. Por lo tanto, lo que más caracteriza a este arte es la gran cantidad de técnicas y materiales distintos utilizados que, pudiera ser que estuvieran tomados en una ocasiones del surrealismo (automatismo), en otras del dadaísmo (materiales detríticos, collage), pero que en otras pudo ser producto de la propia investigación (dripping, grattage).  Así, también dentro del informalismo se utilizó el tachismo, la pintura gestual, el Informalismo matérico, en resumidas cuentas, un posicionamiento tan heterogéneo que se ha llegado a calificar, simplemente como otro Arte.

Características

• Predominio de la espontaneidad y el gesto
• Automatismo puro marcado por el ritmo creativo
• Empleo de la materia como medio para transmitir experiencias únicas.
• Carencia o inexistencia de ideas preconcebidas, la obra de arte es entendida como un momento único de creación.
• La obra acabada antecede a la idea, el resultado final es la idea.
• Espontaneidad creativa.
• Ruptura con los antecedentes pictóricos, en virtud de lograr una expresión novedosa, auténtica e irrepetible.
• Marcada obsesión por desaparecer la forma y su concepto en el arte.

Representantes del informalismo

Lucio Muñoz (1929-1998)

Pintor español nacido en Madrid. Durante una temporada trabajó en el comercio de su padre. Más tarde estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, donde fue discípulo de Eduardo Chicharro. Después de su formación académica, entró en contacto con los realistas madrileños, Antonio López, los hermanos López Hernández y la que sería su esposa Amalia Avia, también pintora. Becado en el año 1956 por el gobierno francés, tuvo la oportunidad de conocer el Art Autre, la obra de Tàpies y de Dubuffet.

Antoni Tàpies 

Pintor y escultor español, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional.Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945, tras abandonar sus estudios de derecho y después de una convalecencia por una enfermedad pulmonar que le posibilita el reposo físico y psíquico necesario para el estudio y la reflexión intelectual. Es entonces cuando se acerca a la obras de filósofos como Friedrich Nietzsche, Miguel de Unamunoy Arthur Schopenhauer, poetas como Edgar Allan Poe, músicos como Richard Wagner o Robert Schumann, y artistas como Vincent van Gogh o la época surrealista de Pablo Picasso. Poco después descubriría a Jean Paul Sartre, cuyo existencialismo marcaría su trayectoria vital y artística.

¿Cuál es el legado del Informalismo?

El legado más importante de los informalistas es la riqueza en la utilización de múltiples técnicas de diversas corrientes el uso también de múltiples materiales, ambos integrados en las obras de  manera ecléctica. En las que se refleja el conflicto interno existencialista de estos artistas. Evidenciando su desencanto con las utopías colectivas o ciencias positivas, apostando por el recurso único, de último momento, como lo fue la posición subjetiva, irracional e inmediata en una verdad que no se negocia y como una forma de relación consigo mismo y con el entorno de la postguerra, en la que interesa todo desde lo más humilde y hasta el momento despreciable, haciendose emerger desde lo más profundo.

POP ART

El pop art, conocido en español como arte pop, es un movimiento plástico que tuvo su origen en la década de 1950. Nació entre Gran Bretaña y Estados Unidos, pero fue este último el país que se convirtió en el abanderado del movimiento. Sin embargo, el arte pop generó una onda expansiva en todo el mundo, tanto en Europa como en América Latina, Asia y Oceanía.

Características del arte pop

Inspiración en la cultura de masas

Roy Lichensteins: Whaam! Óleo y pintura acrílica sobre lienzo. 1963.

Si los antiguos habían representado la imagen del mundo como lo conocían y concebían en sus obras, era obligación de los artistas contemporáneos hacer lo propio. Los artistas pop acudirían a aquellos objetos cotidianos que se estaban convirtiendo en los nuevos símbolos de "civilización": ídolos mediáticos, figuras políticas, objetos fabricados en serie, tiras cómicas (cómics), carteles, embalajes y toda clase de imágenes simbólicas (señales de tráfico, collages, etc.).

Ampliación de la noción de belleza al repertorio de símbolos pop

El pop art comprendía que incluso los objetos de la cultura de masas podían contener elementos de belleza, y no solamente las venus y madonas de la Antigüedad. Claro que esto no dejará de ser también una provocación para el entorno intelectual, aspecto que los artistas pop aprovechan muy bien a su favor.

Descontextualización

Una de las estrategias del pop art fue tomar los objetos prestados y descontextualizarlos. Por ejemplo, sacar de su contexto una lata de sopa, un cuadro famoso o una fotografía, intervenirlos y transformarlos en una obra o una nueva obra. Algo semejante habían hecho los dadaístas con su técnica ready made desde que Marcel Duchamp creó su famosa Fuente: un urinal intervenido con la firma del artista, bajo el seudónimo R. Mutt, y que fue presentado como una obra museística.

Negación del virtuosismo

Estos artistas no preconizaban el virtuosismo como un valor. Con esto, el arte pop rompía con la idea de una obra de arte como resultado de un proceso complejo, largo y difícil, lo que favorecía el principio de reproducción múltiple.Por ello, implementaron técnicas absolutamente inusuales en el campo de las bellas artes, como la serigrafía, el cómic con sus viñetas y estilo de la línea, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva, además de collages y fotografías.

Algunos artistas fueron más radicales y produjeron happenings y espectáculos interactivos, lo que asestaba un golpe contra el coleccionismo y la mercantilización del arte.

Representantes

Keith Haring

Nacido y criado en Pennsylvania, Keith Harring, considerado como un representante de la cultura callejera de la Nueva York de los años ochenta, comenzó a crear arte pop después de salir de la universidad en 1978. Entre 1980 y 1989, Harring alcanzó el reconocimiento internacional a través de exposiciones independientes y colaborativos donde las pinturas representadas por le color, la silueta humana y mensajes de amor y paz reflejaban su pasión por el arte y su sello personal. Tristemente fallecimiento en febrero de 1990, las obras de Harring todavía se consideran algunos de los más influyentes en el mundo del arte pop.

David hockney

Hockney es un pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo inglés que vive en Los Ángeles. Impulsor del British Pop Art con esencia expresionista, Hockney estuvo representado por el influyente mercenario de arte John Kasmin, por lo que en 1963 visita Nueva York y establece contacto con Andy Warhol. Su estilo destaca motivos realistas con colores vibrantes en grabados, retratos de amigos, y diseños para escenarios como el Royal Court Theatre, Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera de Nueva York.