Arte Moderno

Arte Moderno

Fauvismo:

El arte del siglo XX se caracteriza por que esta configurada de múltiples corrientes llamadas ismos. No todas las tendencias van en forma lineal una después de otra, sino que se relacionan para dar paso hacia otra nueva. Las vanguardias no se pueden ordenar en una linea de tiempo.

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente.

El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.

Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.

Precedentes del Fauvismo:

Para hablar de los orígenes tenemos que recordar a Van Gogh y a Gauguin, ya que ambos huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución libre y personal, impulsiva y pasional, a la vez que apostaron por obras intensamente coloreadas.

 

Protagonistas del Fauvismo:

Henri Matisse (1869-1954)

Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección. Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.
Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica en el estudio de Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación.

La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.

Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se conjugan armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar con ritmo.

André Derain (1880-1954)

La mayor parte de su producción de época fauvista son personajes campestres y urbanos, como Puente en Londres (1906) y muestran colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o por la representación realista.

Hacia 1908 comienza a experimentar con otros estilos. La influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. En Las bañistas (1908) intenta combinar las innovaciones de los pintores anteriores, como Monet y Cézanne. Le influyó el cubismo produciendo obras geométricas como El puente viejo de Cagnes y el primitivismo de la escultura africana. Sus últimas obras, posteriores a 1912 mostrarán cada vez más la influencia de estilos diversos.

Maurice de Vlaminck (1876-1958)

Es el autor de paisajes dramáticos que se inspiran directamente el colorido y la pincelada de Van Gogh. Sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906).

La aparición del Fauvismo en Francia en 1905 fue paralela al expresionismo alemán, particularmente a los pintores del grupo Die Brücke. Ambos movimientos marcaron la aparición de lo emocional frente al estudio calculado y teórico de la realidad.
Hacia 1908 comienza a deshacerse el grupo de los fauves, cada uno de sus componentes seguirán caminos divergentes. A partir de ese año, el cubismo asumió la vanguardia, a la que pronto se inclinarán Braque y Derain principalmente.

Art Nouveau

Art nouveau es una corriente artística y cultural que busca romper con las tendencias dominantes del momento, modernizando el arte y la cultura urbana con un fuerte sentido decorativo.

El movimiento cultural art nouveau surge a fines del siglo XIX y permanece hasta los inicios del siglo XX, buscando contrastar con la industrialización después de la segunda revolución industrial.
El art nouveau usa motivos inspirados en la naturaleza o materiales orgánicos para plasmar la sensualidad y el erotismo en objetos de arte decorativos, característicos de este movimiento.

Art nouveau abarca los campos de la pintura, escultura, literatura, decoración, fotografía y diseño de joyas, muebles y objetos.
Esta corriente recibe varios nombres según la lengua en que se use. A pesar de ser la más conocida el francés art nouveau, también recibe el nombre de modernismo en español, jugendstil en alemán, sezessionstil en austríaco y stile floreale en italiano.

Características:

El art nouveau se caracteriza por la presencia de elementos de la naturaleza, enfatizando sus líneas rebeldes como una analogía a la libertad frente a la industrialización. Es altamente decorativo, llegando a ser definido por corrientes posteriores como un movimiento de ornamentación excesiva.

Además, este movimiento conjuga varias referencias culturales con el fin de realzar las cualidades estéticas y artísticas del objeto como, por ejemplo, el uso de motivos bizantinos, grabados japoneses e influencias del barroco y rococó francés.

Arquitectura:

La corriente del art nouveau explora su influencia no solo en las pinturas, sino que su impacto es especialmente importante en el ámbito de la arquitectura.
El estilo art nouveau en la arquitectura comienza a ser usado y reconocido en el mundo, luego de que el arquitecto belga Victor Horta (1861-1947) terminara la casa Tassel en 1893.En México, aún se pueden encontrar en la Ciudad de México algunas obras arquitectónicas de influencia art nouveau, como el Palacio de Bellas Artes, el edificio del Palacio de Hierro, la Casa Prunes y el Museo de Geología de la UNAM.

Obras y representantes:

La búsqueda de la belleza, asociada al placer, la sensualidad y, por primera vez, el erotismo, es uno de los rasgos distintivos del art nouveau.
Esto se puede ver reflejado en las obras del artista checo Alfons Maria Mucha (1860-1939), considerado el padre de esta corriente artística, y en el cuadro El beso del pintor austríaco Gustav Klimt (1898-1908).

En la literatura, mejor conocido como modernismo, se considera al nicaragüense Rubén Darío como uno de sus precursores.

Expresionismo:

Se conoce como expresionismo a una de las vanguardias artísticas y literarias del siglo XX. El expresionismo surge en Alemania, cuyas primeras manifestaciones surgen en 1905 pero gana fuerza después de la Primera Guerra Mundial.

El expresionismo busca plasmar la subjetividad de las emociones humanas, contrastando con los movimientos anteriores como el impresionismo que buscaban la objetividad por sobre todo.

Como movimiento artístico de vanguardia, busca expresar lo humano frente a la sociedad moderna e industrializada, generalmente, mediante sentimientos de angustia, dolor y desespero.

Características:
El expresionismo es un movimiento artístico que representa las emociones del propio pintor enfrentado a una sociedad llena de miserias, angustias, soledad y guerras.

Esta corriente artística usa la exageración y la distorsión para la representar sus temas, con el objetivo de intensificar el mensaje que desea mostrar a sus espectadores siendo común encontrar en los cuadros rostros desfigurados y angustiados.

La búsqueda por plasmar una imagen objetiva del subjetivismo de las emociones y los sentimientos humanos, hace que el expresionismo tenga la tendencia por el uso de la línea, de colores fuertes y puros en contraste con las formas retorcidas y agresivas.

El expresionismo ensalza la libertad individual a través de la subjetividad y lo irracional que es lo naturalmente humano. Los temas se consideran a veces subversivos y hasta depravados, plasmados por medios plásticos de carácter metafísicos que esperan conducir al espectador a la introspección.

 

En el arte: 

El expresionismo es una de las corrientes artísticas que pertenecen al vanguardismo de la Edad contemporánea. El expresionismo, como tal, sólo se considera un movimiento por sí mismo luego de la Gran Guerra, ya que, en sus primeras manifestaciones se consideraba parte del fauvismo y del cubismo.

El pintor noruego Edvard Munch (1873-1944) es considerado como el padre del expresionismo con las 4 versiones de su pintura El grito, en la cual se puede sentir y escuchar la angustia existencialista del personaje pintado. Teniendo en cuenta lo anterior, se afirma a su vez que el que el pintor post-impresionista neerlandés Vincent Van Gogh (1853-1890) es el antecesor de la corriente expresionista.

Abstracto:
El expresionismo abstracto fue un movimiento de vanguardia artística que surgió en Nueva York, Estados Unidos, en la década de los '40, después de la Segunda guerra mundial.
Esta corriente artística se caracterizó por sus grandes formatos y el empleo de manchas y líneas, a través de la ejecución espontánea dejando a un lado los convencionalismos estéticos.

Fue el resultado de la unión de los aspectos del expresionismo alemán y del arte abstracto o abstraccionismo.
Se considera como precursor del expresionismo abstracto a Jackson Pollock (1912-1956), y algunas de sus obras más conocidas son: No. 5 de 1948 y No. 3 de 1949. Podemos encontrar otros representantes como: Mark Rothko (1903-1970) y Perle Fire (1905-1988).

Literatura:

En la literatura expresionista, conocida de manera general por sus obras de teatro, los temas como el miedo, la locura, la guerra, la pérdida de identidad y el fin del mundo, son las forma de retratar en palabras la sociedad burguesa de la época.

Sin embargo, también se usa en las composiciones literarias otros temas como el delirio, el amor, y la naturaleza. Algunos de los principales precursores de la literatura expresionista son los dramaturgos:

• Georg Buchner (1813-1837): La muerte de Danton (1833),
• Frank Wedekind (1864-1918): Despertar de la primavera (1891),
• August Strindberg (1849-1912): La señorita Julia (1888).
  
  
  

Escultura:

La escultura expresionista variaba según el artista, pero tuvieron en común la temática de la distorsión de las formas y el plasmar de las emociones en la escultura y no solo en las expresiones.
Entre los representantes expresionistas más reconocidos se encuentran Ernst Barlach (1870-1938) y Wilhelm Lehmbruck (1881-1919).

Arquitectura:

Tal como sucedía en la escultura, en la arquitectura se observa una distorsión de formas, acercándose a los temas góticos, románticos y rococó frente al clasicismo.
Asimismo, prevalecía en ella temas de fenómenos naturales como montañas, rayos, cristal, entre otros.
La arquitectura expresionista emprendió el uso de nuevos materiales y con ello amplió las posibilidades de fabricación en larga escala de materiales de construcción como el vidrio y el ladrillo, por ejemplo.

Los principales arquitectos expresionistas fueron:

• Erich Mendelsohn (1887-1953): mayor representante de la arquitectura expresionista,
• Bruno Taut (1880-1938): Puertas de Hufeisensiedlung en Berlín, Alemania (1920),
• Walter Gropius (1883-1969): posterior fundador de la Escuela Bauhaus.
  
  
  
  
  Música:
  
  La música expresionista deja de lado las reglas y las convenciones académicas. Algunos de sus mayores exponentes son los compositores: Arnold Schönberg (1874-19511), su alumno Alban Berg (18855-1935) y Anton von Webern (1883-1945).

Cubismo:

El cubismo fue una vanguardia artística europea que surgió en el siglo XX en Francia que cubre las artes y la literatura.
Marcado por el uso de formas geométricas, rompió con los modelos estéticos que sólo valoraban la perfección de las formas.

El cubismo fue fundada en París por el reconocido artista español Pablo Picasso  y los franceses  Georges Braque.
La pintura «Les  demoisellers d’Avignon»  (o «Las señoritas de Avignon» en español) de 1907, Pablo Picasso, se considera el punto de partida de este movimiento innovador.

En general, este arte está marcado por la representación de figuras de la naturaleza a partir del uso de formas geométricas, promoviendo la fragmentación y descomposición de los planos y perspectivas. El artista cubista deja de tener el compromiso de utilizar la apariencia real de las cosas, como sucedía durante el Renacimiento.

El arte cubista es considerado un «arte mental», donde cada aspecto de la obra debe ser analizado y estudiado de modo individual.Cubos, cilindros y esferas son algunas de las formas usuales en el arte cubista, que se distingue del arte abstracto por el uso concreto de todas las formas. el Cubismo influenció otros movimientos como el futurismo, surrealismo.


Además de Picasso y Braque, otros artistas que han quedado inmortalizados en forma de iconos de esta vanguardia son  Juan Gris  (1887 – 1927) y  Fernand Léger  (1881-1955).

Características:

Trata la naturaleza o los paisajes con formas geométricas. Así que vienen a ser representados por objetos en todos sus ángulos en el mismo plano, formando una figura en tres dimensiones.

En el arte cubista, predominan las líneas rectas, modeladas básicamente por cubos y cilindros, dada la geometrización de las formas y volúmenes.

Esta técnica que renuncia a la perspectiva, así como al «claro-oscuro» y empieza a usarse colores neutros (predominio del blanco, negro, gris, marrón y ocre), causa una sensación de pintura escultórica.

En el plano conceptual, el cubismo se puede considerar un arte que se centra en ejercicio mental como una forma de expresar ideas.

Al romper con la perspectiva consagrada de las líneas de contorno, la naturaleza pasa a ser retratada simplificadamente.

Esto permite a una mayor abstracción de los atributos estéticos de la obra, al tiempo que rechaza la idea del arte como imitación de la naturaleza pura.

Cabe citar que este estilo abandona distinciones entre forma y fondo o cualquier noción de profundidad. Las naturalezas muertas urbanas y los retratos son temas recursivos en este movimiento.

Además se empiezan a descomponer las imágenes en formas geométricas para poder ser representadas en el ate cubista.

Literatura:

Aunque fue más fuerte en las artes plásticas, el cubismo también se manifestó en el campo literario. La literatura cubista presentó como principales características: elaboración formal del texto, uso de impresión tipográfica y destaque para los espacios en blanco y negro. El más importante representante de la literatura cubista fue el escritor y poeta francés Guillaume Apollinaire.

Artistas:

Pablo Picasso (1881-1973)

Habiendo vivido 92 años y pintado desde muy joven hasta cerca de su muerte, pasó por diversas fases:
La fase Azul, entre 1901-1904, que representa la tristeza y el aislamiento provocados por el suicidio de Casagemas, su amigo, son evidenciados por la monocromía y también la representa la miseria y la desesperación humanas.
La fase Rosa, entre 1904-1907, el amor por Fernande origina muchos diseños sensuales y eróticos, con la pasión de Picasso por el circo, se inician los ciclos de los saltimbancos y del arlequín. Después de descubrir las artes primitivas y africanas comprende que el artista negro no pinta o esculpe de acuerdo con la tendencia de un determinado movimiento estético, pero con una libertad mucho mayor. Picasso desarrolló una verdadera revolución en el arte.
En 1907, con la obra Les Demoiselles d’Avignon comienza a elaborar la estética cubista que, también destacamos la obra Guernica que fue mostrada por primera vez en la Exposición Internacional de París en 1937.

Georges Braque  (1882-1963)

Fue un pintor y escultor francés que junto con Pablo Picasso inventó el cubismo.
Braque inició su conexión a los colores, en la empresa de pintura decorativa de su padre.
La mayor parte de su adolescencia fue pasada en Le Havre, pero en el año 1889, se mudó a París donde, en 1906, en el Salón de los Independientes, expuso sus primeras obras en el estilo de formas simples y colores puras.

Juan Gris (1887-1927)

Pintor español que se unió al cubismo en 1912, era un hombre muy lúcido en cuyo arte el factor de racionalización tenía un gran peso.
Por esa razón, no consiguió entregarse totalmente a la libertad inventiva de Picasso y Braque, manteniendo su cubismo preso a una composición formal muchas veces rígida y fría. No obstante, da una contribución importante al introducir en el cubismo una visión nueva del espacio como espacio-tiempo, al descomponer el objeto en el plano, buscando expresar las varias etapas de su aprehensión en el tiempo.

Fernand Léger (1881-1955)

Desarrolló el arte Cubista en una dirección diferente de Braque y Picasso. Si también oyó la frase de Cézanne, que llamaba la atención hacia la geometría contenida en los objetos naturales.
Pasó a pintarlos no como si fueran cubos, sino como cilindros y conos, tal como se observa en su cuadro «Desnudos en el bosque» (1909 a 1910). Léger nunca alcanzó el grado de abstracción de los dos maestros cubistas, Picasso y Braque.

Futurismo:

Se conoció como futurismo a una de las muchas corrientes artísticas que compusieron las vanguardias europeas del siglo XX, surgido en Italia en 1909, cuando el poeta, dramaturgo y editor italiano Filippo Tommaso Marinetti publicó en el diario Le Figaro de París su Manifiesto Futurista.

Se trataba de un movimiento ávido por romper con la tradición, el pasado y lo considerado hasta entonces como rasgos principales del arte y la poesía, postulando en su lugar la exaltación de lo sensual, lo nacional y la irreverencia.
El futurismo se ofrecía como un movimiento actual, feroz y agresivo, tal y como se lo puede leer en el Manifiesto Futurista:

“…afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido de una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras, con su radiador adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo… un automóvil que ruge, que parece correr sobre metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”

Y aunque su eje principal tenía que ver con la literatura, tuvo también una importante repercusión en la pintura, cosa que se hace evidente con la firma del Manifiesto de los pintores futuristas al año siguiente de la publicación del texto de Marinetti.
El futurismo y su manifiesto marcaron un precedente importante para movimientos artísticos posteriores, como el surrealismo, y se le considera como un antecedente, naturalmente involuntario, del pensamiento fascista que habría de surgir en la Italia de Mussolini casi treinta años después.

Contexto Histórico:

El futurismo nació en Milán, Italia, y se considera un movimiento fundamentalmente italiano, dado su temple nacionalista, misógino y guerrerista, que llevó a sus mayores exponentes a enlistarse cuando sonaron las primeras trompetas de la Primera Guerra Mundial.

Pocos volvieron del frente, y quienes lo hicieron no necesariamente continuaron con el movimiento, por lo que el centro operativo del futurismo pasó de Milán a Roma. Así, cuando Marinetti muere en 1944, ya el futurismo se había convertido en un movimiento mucho más sumiso, entregado a la academia, traicionando su espíritu rebelde.

Características:

El futurismo se definía a sí mismo a partir de su obsesión por la velocidad, que consideraba una virtud de los tiempos venideros. Apreciaba la tecnología, la energía, la fuerza, y ello intentaba plasmarse en sus obras pictóricas o poéticas, empleando formas, ritmos y transparencias, así como sucesiones de imágenes como en un caleidoscopio.

Por otro lado, exaltaba la originalidad, el nacionalismo, el bullicio y la consideración de la vida como una lucha constante, por lo que la belleza, según ellos, se hallaba necesariamente implicada en la confrontación. Eran frecuentes sus cantos a la Revolución, la audacia, la objetividad y el rechazo de la estética tradicional, abrazando en su lugar la vida contemporánea, la máquina y el movimiento. En ese sentido, podía recurrir a cualquier método expresivo (artes plásticas, arquitectura, urbanismo, moda, cine, publicidad, música, etc.) con tal de crear un “arte en acción”.

Poemas:

La poesía futurista fue cultivada escasamente en la Italia futurista, y mucho más en su variante rusa, surgida en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Grandes poetas rusos como Mayakovski y Burliuk, que también practicaban la pintura, fueron entusiastas poetas futuristas, tan dedicados al escándalo y a sus propias perspectivas que llegaron a abuchear al propio Marinetti en su visita a Rusia en 1914.

En estos poemas es frecuente hallar el entusiasmo revolucionario, quizá una admonición de lo que ocurriría en la Revolución de octubre de 1917, cuando los militantes comunistas derrocarían el zarismo e instaurarían un régimen soviético. El canto a la modernidad, a la máquina, al progreso y a la velocidad del cambio se hacen sentir en sus versos. A continuación un claro ejemplo de ello:

• “Poeta y obrero” de Vladímir MayakovskiSomos parejos.Compañeros, dentro de la masa obrera.Proletarios de cuerpo y alma.Solo juntos hermosearemos el mundo.Y lo impulsaremos con himnos.
• “Canción del automóvil” de Filippo Tommaso Marinetti (fragmento)¡Dios vehemente de una raza de acero,automóvil ebrio de espacio,que piafas de angustia, con el freno en los dientes estridentes!¡Oh formidable monstruo japonés de ojos de fragua,nutrido de llamas y aceites minerales,hambriento de horizontes y presas sideralestu corazón se expande con su taf-taf diabólico (…)”
  
  
  Pintura:
  La pintura futurista fue heredera directa del cubismo, a grado tal que las primeras pinturas italianas adscritas al futurismo podrían perfectamente haber sido expuestas como cubistas. Sin embargo, rápidamente se procuraron un estilo propio, a partir de su deseo de representar la realidad en sus trazos y formas.
  
• Empleaban el color puro y las formas geométricas, pintando objetos de manera sucesiva, como en movimiento, o emborronándolos, como se hace hoy en día en las historietas. Muchos de sus cultores llegarán al abstraccionismo, a través de su incursión en el rayonismo.
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  Arquitectura:
  Abrazando el antihistoricismo, la arquitectura futurista también persiguió la representación de la velocidad, mediante largas líneas horizontales que aspiraban a transmitir urgencia, movimiento, inquietud. Se trató de una tendencia arquitectónica dinámica, que valoró el cálculo, la audacia y la sencillez, apuntando a materiales que brindaran agilidad y ligereza, como el hormigón armado, el hierro, el cristal, el cartón y la fibra textil, para sustituir la madera, el ladrillo y la piedra.
  
  
  La arquitectura futurista deseaba hallar su inspiración en el mundo moderno, así como los antiguos la hallaron en el mundo natural a su alrededor, y deseaban por lo tanto un arte arquitectónico que aceptara su propia caducidad, su transitoriedad, permitiendo a cada generación fabricar su propia ciudad, enterrando las anteriores
  
  

Autores y representates:

Algunos de los principales representantes del futurismo en sus diversas disciplinas artísticas fueron:

• Poesía futurista. Filippo T. Marinetti, Giovanni Papini, Giuseppe Ungaretti, Carlos Felipe Porfirio, y los rusos Vladimir Mayakovski, David Burliuk, Aleksei Kruchónyj, Velimir Jlébnikov,
• Pintura futurista. Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Gino Severini, Antonio Sant’Elia, o el argentino Emilio Pettoruti.
• Arquitectura futurista. Angiolo Mazzoni, Antonio Sant’Elia, Nikolay Diulgheroff.

       

Surrealismo:

Con su expansivo imaginario, enfoque experimental, y temas inspirados en el subconsciente, el surrealismo puede parecer un género difícil de entender. Después de todo, incluso André Breton, el pionero de movimiento, se refirió a esta corriente como un “rayo invisible” mientras que el famoso surrealista Salvador Dalí señaló que “la gente ama el misterio, y por eso aman mis pinturas”.

Sin embargo, una vez que aprendes sobre sus fascinantes raíces, artistas clave y obras más conocidas, es fácil darse cuenta de que este enigmático movimiento es en realidad una forma de arte accesible, y una que continúa cautivando al público y los artistas de la actualidad.

Historia:

El movimiento artístico surrealista comenzó en la década de 1920, cuando artistas visuales como Salvador Dalí, Max Ernst, Man Ray, Joan Miró e Yves Tanguy adoptaron el automatismo, una técnica literaria que dependía completamente del subconsciente para la creatividad. Esta herramienta había sido iniciada y popularizada recientemente por André Breton y otros escritores surrealistas en París, quienes allanaron el camino para esta forma de arte con sus textos oníricos y un interés en la experimentación basado en el dadaísmo.

La idea de automatismo atrajo a un grupo de artistas, quienes buscaron desprenderse del racionalismo para alcanzar una completa libertad creativa en su trabajo. Por lo tanto, tiene sentido que muchos de los artistas hayan encontrado inspiración en movimientos con valores similares como el cubismo, expresionismo y postimpresionismo. Combinando elementos de cada uno, se decidieron por un enfoque visual que carecía de, de acuerdo con André Breton en el Manifiesto del surrealismo, “cualquier control ejercido por la razón, exento de cualquier preocupación estética o moral”. Así fundaron formalmente el movimiento de arte surrealista.

Además de experimentar con el automatismo y explorar el subconsciente, los artistas surrealistas tenían como objetivo desafiar las percepciones y cuestionar la realidad a través de su trabajo. Esta fascinación es el centro de La traición de las imágenes, una pintura de René Magritte que presenta solo una pipa y el texto “ceci n’est pas une pipe” (“esto no es una pipa”). Al señalar que este retrato no es realmente una pipa, sino simplemente una pintura de una, el artista juega con la interpretación y pone los reflectores sobre el engaño inherente al arte.

Enfoque Artistico:

La mayoría de los artistas surrealistas se expresaron a través de la pintura y produjeron obras que exhiben su interés en combinar un estilo realista con temas no realistas. Este enfoque paradójico es particularmente evidente en La persistencia de la memoria, una de las “fotografías de sueños pintadas a mano” más famosas de  Salvador Dalí. Esta pieza une un paisaje y estilo de pintura realistas con iconografía extraña, que incluye una figura orgánica y antropomórfica, un árbol estéril y los icónicos relojes derretidos.

Este estira y afloje entre realidad y fantasía también es evidente en las obras de René Magritte e Yves Tanguy. El hijo del hombre, una pintura posterior de Magritte, y Divisibilidad indefinida, una pieza de Yves Tanguy, ilustran este sentimiento y muestran la capacidad de los artistas para emplear simultáneamente un estilo realista y un enfoque surrealista del tema.

Aún así, algunos surrealistas no trabajaron con este estilo fotográfico, como podemos ver en L’eléphant célèbes de Max Ernst y El Carnaval de Arlequín de Joan Miró. Aunque, estéticamente, estas piezas tienen poco en común, ambas capturan perfectamente el enfoque pictórico y casi ingenuo de los artistas sobre un motivo típicamente surrealista.

Medios Experimentales:

El movimiento surrealista fue un momento de experimentación. Además de la pintura, muchos artistas comenzaron a explorar diferentes disciplinas artísticas, como la escultura, la fotografía y el cine. Entre las figuras más destacadas que incursionaron en el cine surrealista se encuentran Marcel Duchamp, Fernand Leger, Luis Buñuel y Salvador Dalí. Si bien sus enfoques para la realización de películas variaron, cada uno expresó su interés en llevar sus imágenes inspiradas en sueños, conceptos absurdos y mentalidades modernistas a la pantalla grande.

Artistas:

Joan Miró

Considerado por Breton como el más surrealista de todos. Él quería negar la razón y soltar el inconsciente.
Inventó signos biomorficos parecidos a objetos de la naturaleza. Con los años, estas formas se están cada vez más simplificadas. Miró decía: «lo importante es desnudar el alma». «Miró no colocaba un punto en una hoja de papel sin acertar directo al blanco», dijo Giacometti.
La famosa magia de Miró se manifiesta en las pantallas de rasgos nítidos y formas sinceras en la apariencia, pero difíciles de dilucidar, aunque se presentan de forma amistosa al observador. Miró también se dedicó a la cerámica ya la escultura, en las que extravasó sus inquietudes pictóricas.
«¿El sueño no puede ser aplicado a la solución de las cuestiones fundamentales de la vida?» (Fragmento del Manifiesto del Surrealismo de André Breton, francés que lanzó el movimiento).
En el mismo manifiesto, Breton define Surrealismo: «Automatismo psíquico por el cual alguien se propone a expresar, sea verbalmente, sea por escrito, sea de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento».

René Magritte

Artista Belga. Sus obras son metáforas que se presentan como representaciones realistas, a través de la yuxtaposición de objetos comunes, y símbolos recurrentes en su obra, tales como el torso femenino, el sombrero coco, el castillo, la roca y la ventana, entre otros más, un modo imposible de encontrar en la vida real.

René Magritte practicaba el surrealismo realista. Comenzó imitando la vanguardia, pero necesitaba realmente un lenguaje más poético y se vio influenciado por la pintura metafísica de Giorgio de Chirico.

Vladimir Kush

hoy en día es común ver pintores surrealistas. Kush es de la contemporaneidad, pero su estilo es surrealista.
El surrealismo, más allá de su dimensión artística, tuvo un objetivo último, y en cierto modo trascendente: alcanzar una radical renovación de la humanidad, a través de la transformación de sus esquemas culturales, pues según Breton: «el hombre ha guardado en su propio pensamiento, realidad desconocida de la que depende, sin duda, la organización futura del mundo».

Salvador Dali

Es el más conocido de los artistas surrealistas. Tuvo la oportunidad de conocer a Lorca y Buñuel. Sus primeras obras son influenciadas por el cubismo de Gris y por la pintura metafísica de Giorgio De Chirico.
Finalmente se adhirió al surrealismo, junto con su amigo Luis Buñuel, cineasta. En 1924 el pintor fue expulsado de la Academia y comenzó a interesarse por el psicoanálisis de Freud, que significo mucho a lo largo de toda su vida.
Su primer viaje a París en 1927 fue fundamental para su carrera. Se hizo amigo de Picasso y Breton y se mostró entusiasmado con la obra de Tanguy y manierista Arcimboldo.
La película El Perro Andaluz, que hizo con Buñuel, data de 1929. Creó el concepto de «paranoia crítica» para referirse a la actitud de quien rechaza la lógica que rige la vida común de las personas. Según él, es necesario «contribuir para el total descrédito de la realidad «.
A finales de los años 30 fue varias veces a Italia para estudiar a los grandes maestros. Instaló su taller en Roma, aunque siguió viajando. Después de conocer en Londres Sigmund Freud, hizo un viaje a América, donde publicó su biografía La vida secreta de Salvador Dalí (1942).

Constructivismo:

El Constructivismo se destacó por su carácter utilitario y al servicio de la revolución. Los artistas buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño industrial, comunicación visual y artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. La imagen más representativa del movimiento fue el Monumento a la III Internacional de Tlalín.

El Constructivismo coincide con las características de diferentes vanguardias como el Cubismo, el Futurismo, el Suprematismo y el Dadaísmo.

Se destaca por:

– Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el producto son de gran importancia.

– Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

– Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.

– Se dedicaron a l diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones, etc.
– La obra se comunica con el espacio que la rodea o penetra. Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz.

– La misma consta de elementos (frecuentemente transparentes) de formas geométricas, lineales y planas.

– Hace hincapié en lo abstracto, pero relacionado con la industria y la técnica.

– Estilo basado en líneas puras y formas geométricas y pesadas.

– Los objetos son geométricos y funcionales.

– Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.

– Rechaza al arte burgués. Se evitó el ornamento.

– Materiales simples: madera, metal, yeso, alambre, plástico, cartón, vidrio y elementos modernos que simbolizan el progreso.

– Uso de los colores naranjo, rojo, azul, amarillo, negro y blanco (tanto en afiches como en objetos).

– Para la decoración se emplean motivos suprematistas, o sea formas geométricas sobre un fondo blanco y plano (como en el caso de la cerámica).

Los constructivistas se dedicaron al diseño de muebles e indumentaria, decorados teatrales, exposiciones y todo lo relacionado con la ingeniería y la arquitectura. El constructivismo llegó a Europa occidental gracias al Lissitzky, e influenció al movimiento De Stijl, al desarrollo del arte concreto, del minimalismo y de la arquitectura moderna (particularmente en las construcciones de hormigón armado).

Dadaismo:

El dadaísmo es un movimiento artístico y literario de vanguardia que tuvo lugar en la primera mitad del siglo XX. Se toma como punto de partida el año de publicación del manifiesto inaugural escrito en 1916 por Hugo Ball. Sin embargo, antes de este año ya habían tenido lugar algunas manifestaciones artísticas que pueden ser calificadas de dadaístas, tales como los ready made de Marcel Duchamp.

Este movimiento formó parte de las llamadas vanguardias históricas y tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte contemporáneo.

Contexto Histórico:

Durante la Primera Guerra Mundial, acaecida entre 1914 y 1919, Suiza actuaba como un país neutro, razón por la cual muchas personas vieron en ese país un refugio privilegiado. Entre esas personas se contaban artistas, músicos y escritores venidos de todas partes de Europa.

Aquella joven generación de creadores estaba en contra del caos bélico producido por la guerra de trincheras, a la que interpretaron como un signo de la decadencia de Occidente. En efecto, lo que lucía como una promesa de desarrollo y progreso durante la segunda revolución industrial (signada por el matrimonio entre ciencia y tecnología), pronto se convirtió en muerte masiva.
Animados por sus valores antibelicistas y su profundo sentido crítico social, un grupo de artistas y escritores fundó un movimiento literario y artístico que expresaba su desacuerdo y decepción frente a la incapacidad demostrada por los discursos oficiales como la ciencia-tecnología, la religión, la filosofía (el idealismo) y las ciencias sociales (el positivismo) para evitar la destrucción de Europa. A este movimiento le pusieron el nombre de “dadá” o “dadaísmo”.

Características:

El dadaísmo o arte dadá no definió un estilo unificado, ya que se basaba, precisamente, en la crítica al sentido tradicional del arte, de la escuela o del estilo. Aun así, se unía en torno a un conjunto de principios compartidos que le dieron un tono característico, tanto en lo literario como en lo plástico. Conozcamos entonces sus características principales.

El movimiento dadaísta fue de tipo interdisciplinario, es decir, se manifestó tanto en las artes plásticas (pintura y escultura) como en la literatura. También integró la foografía y la escultura. En todas estas disciplinas privó el sentido iconoclasta y la subversión.
Por ello, el dadaísmo también creció abrazado a los manifiestos y, de hecho, a lo largo del movimiento se llegaron a redactar unos siete manifiestos en total.

Aborrecimiento frente al concepto de belleza

Para los dadaístas, el concepto tradicional del arte perdía sentido frente a la realidad de la violencia desatada en Europa. Frente al horror de la guerra, la búsqueda de la belleza y la idea de un arte para complacer los sentidos eran absolutamente inadmisible.

Sentido antiartístico y antiliterario

Más que un arte, el Dadá o dadaísmo es más bien un antiarte, es decir, es un planteamiento, un concepto, un posicionamiento, lo cual lo convierte, sobre todo, en un modo de actuar sobre la realidad y no en un lenguaje pictórico o literario específico.

Valoración del gesto artístico por encima del objeto artístico

El artista dejará de ser el que pinta o esculpe, el que genera belleza, y pasará a ser aquel que escoge un objeto sin pretensiones estéticas y le otorga un significado por el sólo hecho de haberlo seleccionado. De esta manera, se instaura la era en que el gesto del artista será lo realmente estimado como “artístico”.

Humor irónico, carácter provocador e irreverente

El dadaísmo se propuso así una burla feroz del arte –no solo del arte tradicional sino incluso de las vanguardias como el cubismo y el futurismo, este último glorificador de la guerra-, una burla de la burguesía capitalista, finalmente, un desafío a la estética.

Crítica aguda en contra de la sociedad occidental

La propuesta del dadaísmo se estructura como un rechazo a los valores burgueses de principios de siglo. En efecto, los valores reinantes de aquella generación, como la fe ciega e irreflexiva en el desarrollo científico-tecnológico como sentido de la historia, el nacionalismo radical, el culto al capital y el uso del arte como tranquilizador de conciencias despertaron el malestar de la nueva generación de creadores.

Reivindicación de la irracionalidad como rechazo al positivismo

Al quedar al descubierto que la razón moderna no traía consigo una mejor vida sino destrucción masiva, los dadaístas entendieron que el arte y la literatura ya no se justificaban en nombre de la razón. Dieron paso así a la reivindicación de lo irracional en el arte y de lo absurdo. Esta manera de operar en la creación hizo posible un desarrollo creativo sin precedentes, aunque no exento de polémica y rechazo.

Creación de nuevas técnicas artírtiscas:

En artes plásticas, el dadaísmo trajo consigo la creación de nuevas técnicas artísticas como fotomontaje y ready made, y aprovechamiento de técnicas como el collage, creada por el cubismo.
El fotomontaje fue una técnica creada por los dadaístas que consistía en superponer diversos fragmentos de fotografías para crear una obra única. Estos fragmentos a veces se interconectaban por recursos adicionales como las ilustraciones.
El ready made, que se ha traducido como objeto encontrado u objeto confeccionado, era una técnica que consistía en tomar un objeto de uso cotidiano e intervenirlo con una intención deliberadamente significante.

Uso innovador de la palabra

Apegado a los valores del movimiento, el dadaísmo prefirió el uso de palabras por sucesión sin que estuvieran hiladas por un significado evidente o un sentido discursivo lógico.

Tomaron también como materia prima las letras en sí y los sonidos, lo que permitía evitar la asociación con un sentido racional. Lo aleatorio jugó en ello un importante papel.

Asimismo, implementaron técnicas como el caligrama, que ya había sido utilizado por Guillaume Apollinaire, escritor a quien se relacionaba con el cubismo.

Representantes:

Hugo Ball (1886-1927)

Músico y escritor de origen alemán, que tuvo el papel protagónico como fundador del movimiento dadaísta. Fue el escritor del Manifiesto inaugural de la primera velada dadá, aunque muy pronto se deslindó del mismo.

Tristan Tzara (1896-1963)

Fue un escritor de origen rumano que se sintió fuertemente atraído por las ideas de Hugo Ball, y que acabó convirtiéndose en la referencia fundamental del dadaísmo literario.

Escribió el que es considerado como verdadero primer manifiesto dadá, en el año 1918, así como los siguientes. En su conjuto fueron llamados los siete manifiestos dadaístas. Fue autor de obras como La primera aventura celeste del señor Antipirina (1916) y Veinticinco poemas (1919).

Marcel Duchamp (1887-1968)

Pintor y escultor francés. Reinterpretó el cubismo, interesándose más por introducir el movimiento, y lo puso en relación con el futurismo. En el dadaísmo se le reconoce como el creador del ready made. Se destacó por realizar interferencias sobre obras de arte consagradas, como por ejemplo, la intervención que hizo sobre la Gioconda de Leonardo Da Vinci.

Jean Arp (1887-1966)

Escultor de origen franco-alemán. De formación clasicista, formó parte del movimiento Der Blaue Raiter, impulsó el dadaísmo y se acercó al surrealismo años más tarde. Lo caracterizaron su interés por la forma, por independizar la obra del contenido literario y por el acabado pulido y sensual sobre las superficies. Desarrolló un estilo artístico propio al que se llamó biomorfismo.

Aportes e influencia:

El movimiento dadaísta ejerció una influencia muy importante en el desarrollo del arte del siglo XX. Lo primero que hay que decir es que, al incorporar técnicas como el fotomontaje –nunca antes explorado- y el ready made, abrieron el camino para infinitas posibilidades en el campo del diseño gráfico, el diseño publicitario y, por supuesto, en las artes plásticas.

Fueron también un precedente fundamental para el desarrollo de la vanguardia surrealista, que partió de algunos elementos del arte dadá para crear una nueva estética y un nuevo propósito del arte.

El dadaísmo sentó las bases del arte conceptual que se desarrollaría en la segunda mitad del siglo XX. Esto se debe a que permitió que la noción del arte como un objeto destinado a la mera contemplación estética y, por lo tanto, a la complacencia de los sentidos, pudiera ser también valorado por su capacidad para construir discurso crítico, para incomodar o para proponer conceptos complejos con fines distintos a los estéticos.

El ready made, por su parte, abrió el camino no solo para el arte conceptual en sí, sino para el arte de instalación que hoy en día juega un papel tan importante.

A diferencia de los tiempos que corren, estos elementos en su época representaron una auténtica ruptura con la tradición. Los dadaístas fomentaron la idea de que el artista no era solo el creador de un objeto y que el arte no era solo un asunto de museo. Para ellos y con ellos nace la idea del arte como actitud cotidiana, como estilo de vida, como performancia permanente, infinita.